En Progreso
La Música y la Construcción del Japón Moderno
por Margaret Mehl*
Parte Uno: Historia Global, Modernidad y Música Occidental
3. El caso de Japón
Globalización, tecnología del sonido y la búsqueda de un sonido japonés
En las décadas de 1920 y 1930, la interpretación de la música clásica europea experimentó un rápido ascenso, resultado de diversos factores. El aumento de la riqueza generó una creciente demanda de entretenimiento y actividades culturales, como aprender a tocar instrumentos occidentales, comprar discos de gramófono y asistir a conciertos y otros eventos donde se interpretaba música occidental. Estrellas internacionales incluyeron a Japón en sus giras, gracias al espíritu emprendedor de Avray Strok, un empresario y promotor musical ruso-judío afincado en Shanghái, y su coorganizador japonés Yamamoto Kyūzaburō, director del Teatro Imperial de Tokio.⁸⁴ Los japoneses que habían desarrollado un gusto por la música clásica europea tuvieron así la oportunidad de escuchar a los intérpretes más destacados del mundo. Además, varios músicos de primer nivel permanecieron más tiempo: refugiados europeos, incluidos judíos que huían de la persecución, primero de Rusia y luego de la Alemania nazi.⁸⁵
En comparación con la afluencia de intérpretes extranjeros, los músicos japoneses que interpretaban música clásica europea en el extranjero eran una rareza, pero algunos, sin embargo, alcanzaron el éxito en Europa y América. Entre ellos se encontraban los cantantes Fujiwara Yoshie, mencionado anteriormente, y Miura Tamaki, quien se hizo famoso interpretando el papel principal de la ópera Madame Butterfly de Puccini (véase el Capítulo 2). Otros fueron Yamada Kōsaku (1886-1965), considerado el primer compositor japonés de renombre, así como uno de los pioneros de la orquesta sinfónica, junto con Konoe Hidemaro (1898-1973). Yamada ofreció dos conciertos en el Carnegie Hall de Nueva York con gran éxito. El primero, en octubre de 1918, consistió íntegramente en composiciones propias; el segundo, en enero de 1919, en parte. Su experiencia en el extranjero le llevó a reflexionar sobre sus ideas acerca de una música nacional japonesa en un lenguaje occidental, y en sus obras a partir de 1919 empleó conscientemente elementos japoneses.⁸⁶ Konoe dirigió en Alemania en la década de 1930 y, durante la Segunda Guerra Mundial, en los países ocupados por Alemania. Impresionó a su público no solo con sus propios logros, sino también con sus informes sobre el triunfo de la música occidental en Japón.⁸⁷ En 1934, el violinista, compositor y director de orquesta Kishi Kōichi (1909-1937) vio sus obras interpretadas en una aclamada «Noche Japonesa» en Berlín y dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín, siendo el segundo japonés, después de Konoe (en 1924 y 1933), en hacerlo.⁸⁸ Otros compositores japoneses de la década de 1930 participaron en festivales de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea (ISCM), y varios de ellos ganaron premios en concursos internacionales.
Los artistas extranjeros contribuyeron significativamente al auge de la música sinfónica, que hasta entonces apenas se escuchaba en Japón. Cuando Yamada y Konoe fundaron la Nueva Orquesta Sinfónica (Shin Kōkyō Gakudan), predecesora de la actual Orquesta Sinfónica de la NHK, en 1926, contaron con el apoyo fundamental de músicos extranjeros como directores y concertinos. Si bien se la suele describir como la primera orquesta sinfónica profesional de Japón, la Nueva Orquesta Sinfónica fue, de hecho, precedida por la Orquesta Sinfónica de Takarazuka, que ofreció su primer concierto en 1924 bajo la dirección del músico austriaco Josef Laska (1886-1964). Laska dirigió la orquesta en 150 conciertos de abono desde 1926 hasta su partida de Japón en 1935.⁸⁹ La vinculación de la Nueva Orquesta Sinfónica con la radiodifusión nacional, introducida en 1925, le aseguró un papel pionero, y la radio representó un impulso decisivo para el surgimiento de las orquestas profesionales.
Las orquestas amateur también comenzaron a formarse en las décadas de 1910 y 1920. La Orquesta Sinfónica de Suwa en la prefectura de Nagano, fundada en 1925, se enorgullece de ser la orquesta amateur más antigua de Japón.⁹⁰ Otras se formaron en universidades, donde las sociedades musicales comenzaron a florecer alrededor del cambio de siglo. Entre las primeras se encontraban las de la Universidad Imperial de Tokio, cuyos miembros a menudo participaban en conciertos en la Academia de Música de Tokio; las universidades privadas de Keiō y Waseda; la Universidad Imperial de Kioto y la universidad privada de Dōshisha.⁹¹ La orquesta de la Universidad Imperial de Kyūshū ofreció su primer concierto sinfónico en 1919.
Los nuevos escenarios para la música incluían hoteles de estilo occidental, cafés, salones de baile y cines. Los grandes hoteles internacionales empleaban conjuntos tanto japoneses como extranjeros para tocar en conciertos y bailes, o en sus cafés y restaurantes. El repertorio requerido en estos lugares no se limitaba a la música culta. La globalización traía nuevos tipos de música a Japón, incluyendo música latinoamericana, tango y hawaiana, y, sobre todo, jazz.⁹² El jazz se popularizó en las ciudades portuarias asiáticas, comenzando por Manila, desde donde llegaron a Japón varias bandas y músicos de jazz filipinos, y en Shanghái, que se convirtió en una meca del jazz asiático, atrayendo a muchos músicos japoneses. Otros músicos japoneses tocaban en los transatlánticos y, durante sus vacaciones en San Francisco, tenían la oportunidad de escuchar a músicos de jazz estadounidenses y comprar instrumentos, partituras y otros equipos. El jazz también se tocaba en los salones de baile, que gozaron de gran popularidad hasta que el gobierno o las autoridades locales los reprimieron progresivamente por considerarlos moralmente dudosos. El primer salón de baile público, el Kagetsuen en Yokohama, abrió sus puertas en marzo de 1920. En Osaka, los restaurantes y cafés comenzaron a incorporar salones de baile a sus negocios hasta que las leyes policiales prohibieron esta práctica. A partir de 1925, se abrió un número creciente de salones de baile comerciales. En el apogeo de la «época dorada de los salones de baile» en 1936, existían ocho grandes salones en Tokio y un total de treinta y nueve en el resto del país, la mayoría en las zonas aledañas a Kioto, Osaka y Kobe. Otros abrieron en las colonias y en la China continental.⁹³
Los cines también ofrecían entretenimiento musical. Al igual que en Occidente, las películas mudas se acompañaban de música en vivo; las japonesas, de música Kabuki, a menudo interpretada por pequeños conjuntos de instrumentos japoneses y occidentales que tocaban música occidental para las películas occidentales. Gradualmente, se establecieron cines permanentes y, con la llegada de los largometrajes alrededor de 1914, los más grandes contrataron sus propias orquestas, que también tocaban durante los intermedios. Conjuntos similares actuaban en Kobe y Osaka. El auge del cine sonoro (el primero se estrenó en Tokio en 1929) acabó con la actividad de los conjuntos en vivo, pero generó nuevas oportunidades gracias a la creación de bandas sonoras. La música de cine, especialmente los temas principales, también se vendía en discos.
De hecho, la tecnología del sonido fue uno de los avances más importantes en la historia de la música japonesa a partir de la década de 1920, cuando los discos de gramófono se popularizaron y se introdujo la radiodifusión (en 1925). Las grabaciones permitieron a los oyentes disfrutar de una amplia variedad de estilos musicales, así como de música clásica europea interpretada con la máxima calidad. Japón pronto se convirtió en el mayor mercado de grabaciones de música occidental. En 1924, una edición de Deutsche Grammophon de la Novena Sinfonía de Beethoven (la primera grabación completa de una obra importante) vendió 300 suscripciones en Japón. En 1933, la colección de sonatas para piano de Beethoven de Victor atrajo 2000 suscripciones de Japón, la misma cantidad que la suma de todas las suscripciones europeas. La grabación de la Quinta Sinfonía de Beethoven dirigida por Toscanini con la Orquesta de la NBC, publicada por Victor en 1939, vendió 50.000 copias en Japón.⁹⁴
Gracias a las grabaciones en gramófono, importantes obras sinfónicas y un repertorio complejo de música de cámara y para solista pudieron escucharse en Japón por primera vez. En el siglo XIX, los intelectuales solían hablar de compositores como Beethoven y Wagner sin haber escuchado sus obras interpretadas tal como ellos las concibieron.⁹⁵ A menos que hubieran viajado al extranjero, conocían a Beethoven por la obra literaria de Romain Rolland (1866-1944) más que por su propia música. Su Sonata Kreutzer era conocida por el relato de Tolstói más que por haber escuchado la composición de Beethoven interpretada. Los discos de gramófono permitieron a los aficionados a la música no solo escuchar obras famosas, sino también, imitando las grabaciones de estrellas como Elman, Kreisler y Heifetz, interpretarlas (o al menos intentarlo). Un violinista que lo hizo fue Suzuki Shin’ichi, cuyo «Método Suzuki» todavía hoy utiliza grabaciones de referencia.⁹⁶
El impacto de la grabación de sonido en la música tradicional japonesa y la música popular contemporánea fue igualmente significativo. Las compañías discográficas locales produjeron discos de gramófono de música tradicional, así como estilos fusionados, a menudo interpretados con instrumentos occidentales. Antes de que las grandes compañías discográficas internacionales (Victor, Columbia, Polydor) dominaran el mercado, se fundaron muchas compañías nacionales, varias de ellas ubicadas en la región de Kansai. Nittō, por ejemplo, establecida en Osaka en 1920, se jactaba de una impresionante lista de música occidental grabada localmente. Pero la compañía produjo principalmente discos de gramófono de géneros como Gidayū (un género narrativo popular de shamisén), Kouta (una canción corta de shamisén) y Riyō (una canción popular rural), así como estilos característicos de la cultura musical de Osaka, que como resultado se difundieron por todo el país. Las intérpretes a menudo eran geishas.⁹⁷ Los catálogos de Nittō y otras compañías reflejaban las preferencias auditivas de la mayoría de los japoneses: la música occidental, aunque cada vez más popular, estaba lejos de ser dominante: la mayoría de los japoneses prefería los géneros tradicionales. La radiodifusión también priorizó los géneros tradicionales, y una encuesta sobre las preferencias de los oyentes radiofónicos realizada en 1925 reveló que la mayoría los prefería.⁹⁸
Desde finales de la década de 1920, compañías como Nittō comenzaron a perder terreno frente a las grandes empresas internacionales, y Tokio desplazó a Osaka como centro de la industria discográfica. En lugar de difundir la cultura musical existente, estas compañías produjeron y promocionaron éxitos. La nueva categoría de canción popular, que llegó a conocerse como Ryūkōka o Kayōkyoku, era ecléctica y abarcaba una amplia gama de estilos, en general «occidentales», pero con frecuencia con características musicales que conectaban fuertemente con la sensibilidad japonesa.⁹⁹ Las canciones populares, duramente criticadas por las élites, distaban mucho de la «música nacional» imaginada por Isawa y otros, pero sí combinaban elementos occidentales y japoneses de una manera que resultaba atractiva para la población en general.
La canción popular, como producto de la industria discográfica, es un fenómeno global, por lo que no debería sorprendernos que un pionero de la canción popular japonesa alcanzara cierto éxito en el extranjero: el compositor e intérprete Koga Masao (1904-1978). Sus canciones mezclaban elementos de las canciones shōka de la era Meiji y ritmos de baile estadounidenses (así como, posiblemente, canciones folclóricas coreanas). Realizó giras por Norteamérica y Sudamérica en 1938 y 1939, y una selección de sus composiciones, interpretadas en inglés por las hermanas Mullen, fue transmitida mundialmente por la NBC el 31 de agosto de 1939; Koga habría continuado su gira por Europa de no ser por el estallido de la Segunda Guerra Mundial.¹⁰⁰
Compositores japoneses de música culta como Yamada y Kishi, que interpretaron sus propias composiciones en América o Europa, atrajeron el interés principalmente por su «sabor japonés». Sin embargo, expresaban el sentimiento japonés en un estilo musical que su público percibía como occidental y que dominaban a la perfección. Los supuestos «elementos japoneses» en sus obras se ajustaban a un lenguaje musical común percibido como «oriental».¹⁰¹ De regreso en Japón, Kishi se unió al debate entre compositores y músicos sobre cómo lograr una música específicamente japonesa que no fuera una mera imitación de modelos europeos. Muchos intérpretes y compositores de música tradicional también buscaban la renovación musical. Para el siglo XX, era inevitable que se vieran expuestos e influenciados por la música occidental, y muchos ni siquiera lo deseaban. Experimentaron con nuevas formas y con nuevas versiones de instrumentos japoneses, generalmente de mayor tamaño y con un registro más amplio. El representante más famoso de la «Nueva Música Japonesa», compuesta en el lenguaje tradicional pero influenciada por la música occidental, es Miyagi Michio (1894-1956). Hoy en día, su música se considera ampliamente tradicional, pero se trata de una tradición transformada por el encuentro del compositor con Debussy y otros compositores europeos.¹⁰²
Para la década de 1930, la música occidental estaba tan profundamente arraigada que el creciente nacionalismo exacerbado y la represión gubernamental no pudieron revertir el proceso. Los debates sobre una música nacional se intensificaron, formándose varias asociaciones de compositores, quienes buscaban liberarse del dominio de las tradiciones compositivas occidentales (especialmente alemanas) heredadas. Esta fue la versión musical de los esfuerzos de los intelectuales por «superar» la modernidad (de estilo occidental) en ese mismo período, pero a la vez representó una continuación de la búsqueda de una música nacional que comenzó con la introducción de la música occidental por parte del gobierno Meiji.¹⁰³
La oposición oficial a la música occidental que existió a finales de la década de 1930 y en la de 1940 se dirigió principalmente contra las nuevas formas de música popular. Algunos géneros tradicionales, como el Naniwabushi, el Gidayū y el Biwa, se beneficiaron del apoyo gubernamental, y los músicos fueron movilizados para el esfuerzo bélico. Pero la hostilidad hacia la música occidental, como recordó el crítico musical Nomura Kōichi, provenía de miembros del público más que de funcionarios gubernamentales.¹⁰⁴ La música clásica occidental a veces adoptaba la forma de interpretaciones grandilocuentes con grandes orquestas sinfónicas, parte de los esfuerzos oficiales por utilizar la música con fines propagandísticos. El mayor espectáculo musical durante la guerra fueron las celebraciones para conmemorar en 1940 el 2600 aniversario de la ascensión del primer (legendario) emperador Jimmu. Con el fin de convertirlo en un evento internacional, el gobierno encargó grandes obras sinfónicas a varios compositores europeos de renombre.¹⁰⁵ La supresión de la música occidental, por lo tanto, fue selectiva y se debió a las austeridades impuestas por el gobierno durante la guerra y a las consecuencias económicas y sociales del empeoramiento de la situación militar, más que a motivos ideológicos.
En resumen, para la década de 1920, la música occidental estaba firmemente establecida; así como también se gestaron las bases de lo que un autor ha descrito como la estructura dual (nijū kōzō) de la música en Japón.¹⁰⁶ La música occidental y la japonesa, esta última conocida como hōgaku para distinguirla de la música occidental (yōgaku), aún no estaban completamente separadas, como lo estarían más adelante, pero la redefinición de hōgaku como parte de la cultura japonesa en general ya había comenzado.
*Margaret Mehl, “Music and the Making of Modern Japan: Joining the Global Concert”. Cambridge, UK: Open Book Publishers, 2024, https://doi.org/10.11647/OBP.0374
